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Música para la cabeza

Por el patrimonio cultural y artístico, renegado actualmente por modas desechables.
 

Skalpel - Konfusion (2005)

sábado, 22 de diciembre de 2007

Skalpel.
KONFUSION.
Ninja Tune. (ZENCD114)
Edición: Noviembre 2005.
Estilo: Nu-Jazz; Downbeat.
Gustará a…: los que sientan debilidad por los ambientes cinemáticos.

Si en su primer larga duración ya sorprendía el sabor orgánico de una propuesta basada en electrónica y samples, con Konfusion esta característica se convierte en asombrosa. De no ser porque sé que el dúo polaco formado por Martin Cichy e Igor Pudio se dedica al corta y pega (definido, en el press kit, como “intelligent cut and paste”), pensaría que lideran una banda de jazz. Y es que, tal es la maestría de Skalpel con el tratamiento de los samples, uno tiene la impresión de estar escuchando una grabación en vivo, a una serie de músicos interaccionando en el escenario. Sin embargo, de lo que se trata es de un virtuoso ensamblaje de samples de muy diversa procedencia, extraídos todos de discos de jazz polaco, con el que crean un conjunto completamente nuevo que conjuga modernidad y tradición. Su fusión de instrumentación y un sobrio uso de sonidos provenientes de máquinas está a medio camino entre las atmósferas de DJ Shadow y The Cinematic Orchestra, a cuyos seguidores, con toda seguridad, contentará, cuando no seducirá.

En la línea de su álbum debut, en Konfusion Skalpel desarrolla un jazz ambiental, atmósferas cinemáticas y paisajes sonoros, dando con un conjunto de impecable homogeneidad. Cada nuevo elemento es introducido con estrema delicadeza, para extinguirse con la misma discrección, dando paso a un nuevo desarrollo sonoro. Del mismo modo, los temas se suceden como continuaciones lógicas de sus predecesores en el tracklist. A esto, se suma la innegable influencia que para el dúo polaco tiene que ser el jazz fusión de los 70, es decir, el jazz-rock psicodélico que inmortalizó Miles Davis. Basta con escuchar Flying officer o Konfusion, especialmente este último: batería rock, guitarra eléctrica, trompeta wah-wah… Todo para un álbum que dura poco más de 37 minutos, lo que recuerda a otro dúo, también del norte de Europa, concretamente de Suecia, cuyos álbumes suelen tener una duración en torno a la media hora. Ya sabéis a quién me refiero, ¿verdad?

Este es el tracklist del CD:

Disco 1:
1. Shivers. 4:16
2. Flying officer. 4:27
3. Long distance call 2. 2:49
4. Hiperbole. 3:14
5. Deep breath. 4:38
6. Konfusion. 3:58
7. Test drive. 2:49
8. Wooden toy. 4:07
9. Split. 4:53
10. Seaweed. 2:30

(http://www.acidjazzhispano.com)

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Keith Jarrett - The Köln Concert (1975)

miércoles, 19 de diciembre de 2007

Uno de los discos de mayor éxito de toda la historia del jazz, grabado en una noche mágica por un pianista genial solamente apoyado por la inspiración del momento. Improvisación pura y dura.

Nacido en Allentown (Pensilvania, Estados Unidos) en 1945, Keith Jarret es un prodigio musical, considerado una de las grandes figuras del jazz del siglo XX (y lo que lleva del XXI) y también uno de los mejores pianistas de toda la historia de la música.

Su vocación musical fue muy temprana, desde muy joven tocó junto a grandes del jazz (Miles Davis, Art Blakey, Chick Corea, etc.) y su producción musical es realmente enorme con decenas de discos editados... muchos a su nombre, otros con grupos liderados por él y también participando en grabaciones de otros artistas y grupos.

Su vocación artística no solo se ha desarrollado en el jazz, pues la música clásica también ha sido un terreno donde ha trabajado habitualmente y además ha realizado incursiones en el gospel, el blues, las músicas étnicas y hasta en el rock (su segundo álbum como líder, "Restoration Ruin" (1968), se puede encuadrar dentro del folk-rock y en él tocaba todos los instrumentos y cantaba).

Una singularidad de la personalidad artística de Keith Jarret es su capacidad para la improvisación, que le ha llevado a celebrar un buen número de conciertos en los cuales se acercaba al piano sin ningún tipo de referencia previa... Solo dejándose llevar por la inspiración del momento.

Este tipo de conciertos siempre le han resultado muy exitosos y una cantidad interesante de sus discos provienen de registros en directo de esas actuaciones.

Uno de esos álbumnes es "The Köln Concert", grabado el 24 de enero del año 1975 en el recinto de la ópera de la ciudad alemana de Kölh.

En este plástico el pianista aparece sin ningún otro músico de apoyo, y sin ninguna partitura o preparación previa... Las hadas de la inspiración le colmaron aquella noche y logró cerca de 55 minutos de música realmente emocionante, melancólica y evocadora, llenando al oyente de sonidos y sensaciones... quien piense que un disco de casi una hora, con solo un pianista, le puede resultar aburrido, que pruebe... ¡alucinará!.

La grabación (que fue realizada por el ingeniero de sonido Martin Wieland) está estructurada en cuatro pistas ("Part I", "Part II a", "Part II b" y "Part II c") y en ocasiones se pueden escuchar los aplausos emocionados del público.

Este disco ha pasado a los anales de la historia de la música del siglo XX (hay quien dice que es la mejor grabación de un pianista en solitario de toda la historia de la música) y desde los momentos de su lanzamiento dejó huella... Para la revista "Time Magazine" fue el disco del año en 1976, fue reconocido por Deutsche Phono-Akademie (Academia Discográfica Alemana) de una manera similar en el mismo año y fue catalogado en 1980 como álbum de la década por los lectores de la revista Poll.

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John Coltrane - Olé Coltrane (1961)

martes, 18 de diciembre de 2007

Hay un antes y un después de Coltrane. Son muchos los músicos que incluso hoy toman como punto de referencia lo que este excepcional músico aportó al Jazz. Pero Contrane no es un artista que surge de la nada, con un estilo propio y ya innovador desde sus primeras grabaciones, muy al contrario, estamos ante un estudioso que con profundo respeto hacia los que le precedieron, pretende y consigue revolucionar no solamente la forma de interpretar, sino sobre todo la de transmitir cada una de las sensaciones que su privilegiada mente acoge.

William John Coltrane ("Trane") nace en Hamlet, un pueblecito de Carolina del Norte el 23 de septiembre de 1926. Es hijo de un sastre aficionado a la música y es en sus años escolares y en una banda de scouts cuando empieza a tocar el saxo alto. En 1943 su familia se traslada a Filadelfia donde obtiene una beca para estudiar música. En 1945 es movilizado por la Marina tocando en la orquesta de su regimiento en Hawai. A su vuelta trabaja en grupos de rhythm and blues con Joe Web, Big Maybelle, King Kolax y con la orquesta del saxo alto Eddie Vinson donde por primera vez toca como saxo tenor. De esta época guardo siempre Coltrane un buen recuerdo, reflejado posteriormente en "Countdown", que era una adaptación de una composición de Vinson ("Tune Up). Durante ésta época Coltrane profundiza en su conocimiento de Lester Young y Coleman Hawkins. Durante una gira por California conoce en una jam sesion a Charlie Parker, Red Callender, Erroll Gaener y al batería Harold West. En 1948 junto a los hermanos Heath (Al, Percy y Jimmy) forma parte de la orquesta del Apollo de Harlem.

Tras una gira por Chicago, Coltrane es despedido. En la segunda mitad de 1949, el saxo tenor Jesse Powell sugiere a Dizzy Gillespie que contratara a Jimmy Health quien acude a una audición preliminar acompañado de Coltrane, resultando ambos elegidos. En la orquesta de Gilliespie figuran Yusef Lateef (que inicia a Coltrane en el estudio de las religiones orientales), Bill Barron (que también le inicia en la práctica del yoga) y Charles Greenlee (que contraería después matrimonio con la prima de Coltrane (Mary). En la orquesta, la mayoría de los solos se encomendaban a Health, mientras que Coltrane actuaba en pocas piezas. Debido a graves problemas dentales producidos por la carencia de vitaminas y abuso de dulces, Coltrane se acostumbró a ingerir excesivas cantidades de licores que le aliviaran el dolor. En las Navidades de 1950, Gillespie disuelve su big band y forma un septeto con Jimmy Health y Coltrane (ya como saxo tenor). A comienzos de 1951 Health abandona el grupo, permaneciendo Coltrane definitivamente como tenorista. Es entonces cuando comienza a escuchar y aprender de Hawkins, Young, Dexter Gordon y Stan Getz, los músicos que junto a Sonny Stitt y Sonny Rollins más influyern en Coltrane.

Entre el 21 de noviembre de 1949 y el 1 de marzo de 1951, Coltrane realiza junto a Stan Getz sus primeras grabaciones como sideman, para los sellos Capitol y la Dee Gee.
En 1951 deja la banda de Gillespie y regresa a Filadelfia, matriculándose en la "Granoff School of Music" donde comienza a escuchar a compositores clásicos europeos (Debussy, Ravel, Stravinski y Bartók).

A comienzos de 1952 Coltrane entra en la orquesta de Earl Bostic con quien permance hasta 1953 y gaba algunos temas como sideman.

En 1953 entra a formar parte de la orquesta del saxo contralto Johnny Hodges que acababa de abandonar la orquesta de Ellington. En esta época Coltrane comienza a consumir narcóticos, consumo que supone, tras algunas grabaciones para la Verve, que en septiembre de 1954 tenga que abandonar la orquesta. En junio de 1954 conoce a Juanita "Naima" Grubbs, contrayendo matrimonio el 3 de octubre de 1955.

Pese a residir en Filadelfia, Coltrane se traslada muy a menudo a Nueva York trabajando en las sessions que se daban todos los lunes en el "Birdland". Tras ser recomendado por Red Garland, Paul Chambers y la tercera esposa de Parker (Doris), Coltrane entra en el quinteto de Miles Davis al que también pertenecía el batería Philly Joe Jones. El 27 de octubre de 1955 el grupo graba para Prestige el álbum "The New Miles Davis Quintet" y posteriormente "Cookim", "Relaxin", "miles Davis and the Modern Giants", "Miles Davis and John Coltrane play Richard Rodgers"... El quinteto de Davis tuvo un gran éxito del que se beneficiaron todos sus músicos. El grupo es contratado por Columbia grabando el tema "Sweet Sue", pieza que se incluyó en una especie de antología del Jazz organizada por Leonard Bernstein ("What is Jazz"), grabando posteriormente el femomenal "Round About Midnight". Es en el tema que da título al album donde Coltrane pone de manifiesto toda su genialidad con un "solo" que resume todos sus conocimientos. Pese a todo y al empeorar su salud, Coltrane abandona el grupo regresando a Filadelfia con su mujer. Aquí graba con Paul Chambers y Tadd Dameron el álbum "Mating Call".

En Junio de 1957 se traslada con su esposa a Nueva York donde empìeza a trabajar con Thelonious Monk. De esta colaboración Coltrane descubre un nuevo universo musical grabando "Thelonious Monk With John Coltrane" y "Monk´s Music".

El 15 de septiembre de 1957 Coltrane graba su primer álbum para la Blue Note, "Blue Train". Durante 1957 hasta abril de 1958, Coltrane trabaja muy intensamente, grabando "The Believer", "The Last Trane", Soultrane", Trane´s Reing" (todos ellos para Prestige).
En noviembre de 1957 Coltrane vuelve a grabar junto a Miles Davis ("Milestones", "Jazz Track", Miles and Monk at Newport"), grabando en 1958 y a su propio nombre "Black Pearls", Stardust", "Standard Coltrane", "Bahía" y "Coltrane Time" (grabado este último con Cecil Taylor y George Russell).

En 1959 empieza a interesarse con ocasión de un encuentro con el saxofonista "James Moody" por el saxo soprano y participa con Miles Davis en el fenomenal "Kind Of Blue". En este mismo año graba "Giant Steps" para el sello Atlantic. en 1960 Coltrane funda el núcleo de su futura actividad musical, el "John Coltrane Quartet", si bien también realiza grabaciones junto a otros músicos como en "Coltrane Jazz" (junto a Wynton Kelly, Paul Chambers, Jimmy Cobb, McCoy Tyner, Elvin Jones y Steve Davis). Profundizando en el uso del saxo soprano Coltrane gaba "My Favorite Things". En este año 1960 y en el siguiente, Coltrane es elegido por los lectores de "Down Beat" como el mejor saxofonista tenor. En 1961 se une al cuarteto Eric Dolphy con el que graba el álbum que marca el paso de Atlantic a Impulse, "Africa Brass". Siguió todavía para Atlantic la grabación de "Olé Coltrane", así como "Impressions".

En 1962 graba "Coltrane" y "Ballads" y pocos días después gaba junto a Ellington "Duke Ellington and John Coltrane". Todas estas grabaciones ponen de manifiesto el alto grado de madurez alcanzado por el saxofonista. En noviembre de este año, Coltrane inicia su segunda gira europea (la primera la realizó el año anterior bajo los auspicios del productor Norman Granz). A su vuelta, Elvin Jones tiene que ser ingresado para una cura de desintoxicación, siendo sustituido por baterías como Philly Joe Jones, Louis Haynes y Roy Haynes, si bien con ninguno llegó Coltrane a compenetrarse tanto como lo hacía con Elvin Jones, si bien fue con Roy Haynes con quien más a gusto se encuentra, grabando una estupenda versión en directo de "My Favorite Things" incluída en el album "Selflessness". En 1963 Coltrane abandona a su esposa Naima y se une a la pianista Alice McLeod.

En 1964 se acentúa el interés de Coltrane por la cultura y religiones orientales y graba el monumental "A Love Supreme". A esta grabación le siguen otras entre las que destacan "Kulu Se Mama" (donde aparece por primera vez Pharoah Sanders) y "Ascension". A continuación inicia una nueva gira europea en la que se empieza a resquebrajar la unión en su cuarteto debido fundamentalmente a las modificaciones que el grupo sufre con las intervenciones de voces nuevas como las de los tenores Shepp y Sanders y del batería Rashied Ali. McCoy Tyner deja el grupo y es sustituido por Alice McLeod, al igual que lo hace Elvin Jones, siendo definitivamente sustituido por Ali. La nueva formación en la que todavía figura Garrison graba en mayo de 1966 un álbum en directo en el "Village Vanguard" de Nueva York, y en julio durante una exitosa gira por Japón graba un concierto dado en Tokio.

Estamos en los últimos años de vida del saxofonista que al parecer había vuelto a abusar en el consumo de drogas. Poco antes de morir, Coltrane graba "Expression", uno de los discos más poéticos de toda su producción y que contrasta con las angustiosas "Interstellar Space" y "Stellar Regions" grabados todos en 1967.

El 16 de julio de 1967 Coltrane ingresa de urgencia en el "Huntington Hospital" falleciendo al día siguiente a las cuatro de la madrugada a causa de un cáncer hepático. En el funeral celebrado el 21 de julio en la "St. Peter´s Lutheran Church" ante una enorme multitud, intervinieron muchos músicos, como Albert Ayler y Ornette Coleman que tocaron durante toda la ceremonia.

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Blind Lemon Jefferson - King of the Country Blues (1926)

lunes, 17 de diciembre de 2007

Alexander "Blind Lemon" Jefferson, nació en una granja en Couchman en las afueras de Wortham en Freestone County, Texas; posiblemente (porque hay poca biografía) alrededor de setiembre de 1893 (investigaciones de 1997 afirman esto, cambiando la fecha anteriormente conocida de Julio de 1897). Hijo de Alec y Cassie Jefferson, ciego desde nacimiento creció entre siete hermanos, e hizo de la música su forma de vida ya que, como tantos otros desvalidos, no podían trabajar en las tareas que normalmente desarrollaba la gente de color (por eso hay tantos "Blind" en la historia del blues), tomando desde la niñez la guitarra y volviéndose músico callejero.-
No recibió educación formal porque empezó a moverse de un lugar a otro, tocando en picnics y fiestas de su pueblo, Wortham y en las cercanías del Este de Texas en pueblos como Groesbeck (mencionado en su "Penitentiary Blues"), Buffalo, Waco y Marlin, el lugar de nacimiento de Blind Willie Johnson, quien ocasionalmente se pudo haber encontrado con Lemon en sus viajes. Sus influencias musicales incluyen no solamente los cantos de los trabajadores del algodón y los guitarristas locales sino también las de los trabajadores mexicanos, muy populosos en Texas, quienes a veces incorporaban patterns de flamenco en su estilo de tocar. Estas influencias están presentes en el complejo fraseo y el intrincado y rápido trabajo de dedos de Jefferson.-

Llevado por sus avatares hasta la ciudad de Dallas cerca de 1917, residió allí y tocaba en el área centrada en el distrito "Deep Ellum" (Deep Elm) que fue, después de la Guerra Civil estadounidense, el centro de negocios de los barrios negros adyacentes, el equivalente en Dallas de "Beale Street" de Memphis. Fue aquí donde se conoció con Leadbelly (Huddie Ledbetter) que era unos diez años mayor que él y un músico experimentado, con un gran repertorio de canciones, pero era el joven Lemon quien manejaba con maestría el blues. Muchos años más tarde, Leadbelly rindió tributo a la grandeza de Lemon grabando varios temas inspirado en la forma de tocar de Jefferson (Blind Lemon's Blues por ejemplo). Por un tiempo indeterminado relativamente corto, tocaron juntos en Dallas ya que desde 1918 a 1924, Leadbelly cumplió una sentencia en prisión para después volver a Louisiana.-

Mientras su reputación crecía, Lemon comenzó a viajar cada vez más lejos para tocar y en el principio de los 1920s, tocó en la mayoría de los estados sureños según algunos reportes. (Las letras de algunas de sus canciones parecen sugerir alguna familiaridad con muchos lugares y músicas) y ciertamente el viajó por el Delta y el área de Memphis donde se podía vivir lucrativamente de la profesión, también está presente el dato de que tuvo un lazarillo que después sería importantísimo en la historia del blues, Aaron Thibeaux Walker, "T-Bone Walker". No está definido si se casó o no a pesar de que hay fuentes que dicen que estuvo casado con una mujer llamada Roberta, la cual supuestamente le dio un hijo alrededor de 1922 ó 1923.-
Para 1925, Blind Lemon al igual que Blind Willie McTell y Robert Johnson, estaba siempre "on the road" y empapado de una gran variedad de elementos de muchos estilos (incluyendo Mississippi Delta Blues) transformándose en el primer artista de folk-blues sureño en tener éxito comercial en los discos, se lo consideró el artista sureño masculino más popular de los 20´s, y fundador del Blues de Texas (junto con Texas Alexander), lo que abrió el camino a muchos otros artistas que lo siguieron en los años subsiguientes.-

Un guitarrista virtuoso de este periodo de country blues y, que como dije anteriormente su única forma de subsistir se volvió el blues, afortunadamente estaba dotado de una voz intensa, expresiva, aguda y clara, de talento para crear letras conmovedoras y para tomar otras prestadas de la tradición popular y con una serie de interesantes recursos a la hora de tocar la guitarra. Utilizó las dos características del estilo de guitarra de Texas, a veces golpeando rítmicamente una cuerda grave mientras tocaba una figura rítmicamente regular en las cuerdas agudas y en otras ocasiones dejando que el sonido de la guitarra prácticamente desapareciera detrás del canto para a continuación seguir las frases vocales con figuras improvisadas y de ritmo libre.-

Fue descubierto en Diciembre de1925/Enero de 1926 en Dallas por un buscatalentos y enviado con Mayo Williams de Paramount Records en Chicago para grabar, el resultado fueron dos canciones Gospel:: "I Want to Be Like Jesus in My Heart" y "All I Want Is That Pure Religion," las cuales fueron realizadas bajo el seudónimo de Deacon L.J. Bates.(Era una usanza muy común entre los bluseros la de cambiarse el nombre para grabar Gospel o Blues, ya que estaba instaurada la idea de que el Blues era la música del diablo y la gente nunca compraría discos de Spirituals de un hombre asociado a esa música.-

Sus primeros discos de blues: "Booster Blues and Dry Southern Blues" y fueron un hit tal que sus ganancias le permitieron comprar un auto y contratar un chofer. Esto es sorprendente considerando su sonido definitivamente no comercial; su alta e inquietante voz (a veces descrita como si tuviera un melancólico sonido), la desesperada y a veces sugestiva naturaleza de sus letras, y la complejidad de su trabajo guitarrístico hacían una combinación de crudo y áspero blues.-

Aunque algunos de sus blues sobre las mujeres contenían imágenes de ternura o proezas sexuales, muchos otros versaban sobre la decepción y el abandono, los malos tratos, el egoísmo y el horror, cantó sobre la miseria absoluta y la carencia de hogar. Muchos de sus blues hablaban de escenas en juzgados y cárceles y también sobre el dolor físico y la muerte.-

Hasta la aparición en escena de Blind Lemon las únicas grabaciones de blues exitosas pertenecían a artistas mujeres como Bessie Smith e Ida Cox, (exponentes del Classic Blues) quienes cantaban canciones escritas por otros y acompañadas por una banda. Con Jefferson se populariza la figura del artista de blues cantando solo con su guitarra tocando composiciones propias junto con las canciones más populares del momento del repertorio folk y tradicionales.

Entre 1925 y 1930, hizo por lo menos 90 canciones en menos de cuatro años casi todas para el sello Paramount con la excepcion de una sesion de dos dias para Okeh, que se llevó a cabo en Atlanta en Marzo del 27´. El resultado de esta sesion fué la segunda versión de "That Black Snake Moan," (de noviembre del 26´) titulada esta vez "Black Snake Moan," como también de la primera versión de uno de los originales de Jefferson más famosos: "Matchbox Blues", que grabó nuevamente para la Paramount al mes siguiente.

Sus grabaciones vendieron alrededor de 100.000 copias, siendo junto con sus contemporáneos Blind Blake and Ma Rainey que Paramount Records fuera lider del mercado discografico en los 20´s, entre sus grabaciones se encuentran, "Matchbox Blues," "Black Snake Moan,""Hot Dogs" y "See that My Grave is Kept Clean.".
Su éxito como artista discográfico le permitió vivir bien y abandonarse a las mujeres y la bebida pero también seguir viajando entre Texas, el estudio de grabación en Chicago, y por donde quiera que hubiera dinero y se quisiera escuchar su música.

Blind Lemon falleció trágicamente, según narran algunas crónicas, al volver a su casa tras una fiesta en Chicago, en el gélido diciembre del 29, donde se perdió o se equivocó de camino y murió por congelación, solo, en la nieve.-
Sus restos fueron levados a Texas por el pianista y compañero de sello Will Ezell en un viaje en tren pagado por la Paramount y enterrado en Wortham Negro Cemetery (ahora Wortham Black Cemetery), en el dia de año nuevo de 1930. Desafortunadamente para el autor de "See that my grave is kept clean", su tumba estuvo desconocida hasta 1967 cuando fue marcada como monumento oficial de Texas, en 1997. Tanto el cementerio como el monumento estaban en mal estado pero gracias a un grupo de fanaticos del blues que se habían conocido por Internet una nueva lapida fue colocada en el lugar con la inscripción Lemon Jefferson September 1893 - December 1929 "Lord it's one kind favor I'll ask of you, See that my grave is kept clean" (Señor es solo un amable favor que te pido, Cuida que mi tumba sea mantenida limpia).

Se reconoce a Jefferson como uno de los primeros representantes en el campo del "classic blues", considerado como uno de los mejores "folk blues singers" de los 20´s. Fué para el blues de Texas lo que Charley Patton fue al blues del Mississippi se dice que ha tenido influencia en artistas tales como Louis Armstrong, Bessie Smith, y Bix Beiderbecke, impactando directamente sobre legendarios músicos de Texas como Lightnin' Hopkins, T-Bone Walker, and Leadbelly, y sus canciones han sido versionadas por músicos de la talla de Bob Dylan, John Hammond, Jr., and Kelly Joe Phelps por nombrar a algunos. En los 50´s y 60´s se reeditaron algunas de las grabaciones de Blind Lemon renovando el interés del público por su obra. Como resultado se abrieron los "Blind Lemon Jefferson Clubs" en California y New York; y en los 60´s, la banda de rock Jefferson Airplane eligió su nombre por el afamado bluesman.-
Blind Lemon fué ingresado en el "Hall of Fame" de la Blues Fundation en 1980.-

Para adentrarse un poco en su obra: "King of the Country Blues" Blind Lemon Jefferson Yazoo Records que ha sido reeditado en cd.

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Stevie Ray Vaughan & Double Trouble - In Step (1989)

sábado, 15 de diciembre de 2007

Reconocido como el mejor guitarrista de blues de los años ochenta, su temprana muerte (1990), en un accidente de aviación, truncó una tan breve como gloriosa trayectoria. Comenzó a tocar la guitarra semiprofesionalmente a los 8 años de edad, y al concluir sus estudios universitarios, en 1977, creó su propio grupo, el trío Triple Threat. Su primera gran actuación llegó de la mano del productor Jerry Wexler, quien lo presentó en el Montreux Jazz Festival de 1982 y su éxito fue sencillamente arrollador. La repercusión en otras primeras figuras no se hizo esperar, desde Mick Jagger hasta David Bowe, con quien compartió gira y elepé (Let's Dance, 1983). Contratado por Columbia, grabó para el sello Epic álbumes tan memorables como Texas Flood (1983) o Couldn't Stand The Weather, que reviste una dimensión más completa de su sonido con temas como el "Voodoo Chile", de Jimi Hendrix, o límpidas aperturas de jazz como el "Stang Swang", además de largos solos y una voz profunda que a sus 28 años, se hallaba en la plenitud de sus posibilidades.

Igualmente portentosa fue su presentación en el Mocambo de Toronto, documentada en video. De su breve pero sustanciosa discografía hay que mencionar el álbum registrado por ambos y último grabado por Stevie Ray después de sus magníficos Live Alive (1986) e In Step (este último premio Grammy al mejor álbum de blues de 1989): Vaughan Brothers. Family Style (1990), además de la selección contenida en The Sky Is Crying (1991), reedición de los mejores temas del intérprete grabados entre 1984 y 1989. Todos ellos punto de referencia para muchos guitarristas de rock y blues posteriores.

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Charles Mingus Presents Charles Mingus (1960)

viernes, 14 de diciembre de 2007

1. Folk Forms No. I 12:00
2. Original Faubus Fables 9:15
3. What Love 15:20
4. All the Things You Could Be By Now If Sigmund Freud’s Wife Was Your Mother 8:32

Charles Mingus (contrabajo y voz), Ted Curson (trompeta), Eric Dolphy (saxo alto y clarinete bajo) y Dannie Richmond (batería y voz).

Grabado en Nueva York, el 20 de octubre de 1960.
(Candid CDC 79005)

El título: Mingus quería grabar un disco de estudio con la energía del directo, pero sin los molestos ruidos de ambiente de un club (no de un club de ambiente). Por eso, antes de iniciar cada tema, realiza una presentación del mismo, llegando incluso a la parodia cuando solicita que mientras tocan “no suene la caja registradora ni el público agite el hielo en sus vasos”.

La portada: aunque Mingus aparezca sentado al piano con, al fondo, su contrabajo apoyado contra la pared, en este disco no hay piano, lo que implica una mayor libertad para el solista y, al mismo tiempo, menor seguridad desde el punto de vista armónico, algo que ahora está totalmente asumido pero que en la época en que fue grabado era un poco como tocar sin red.

La época: estamos en 1960, en pleno despertar de los derechos civiles e inicio de una década llena de sobresaltos y convulsiones. Para Mingus, este es uno de sus períodos más fructíferos. El año anterior había grabado tres discos magníficos (incluso fundamentales) como Blues and Roots, Mingus Ah Um y Mingus Dinasty. Y ése mismo año, tan sólo unos meses antes, grabó el maravilloso concierto de Antibes, con este mismo grupo con el añadido de Booker Ervin al saxo tenor (y Bud Powell en uno de los temas), disco que tiene un repertorio bastante similar al que nos ocupa (coinciden dos de las cuatro canciones). A nivel del jazz, las convulsiones sociales tienen su reflejo en lo musical: estamos en la época en que Ornette Coleman anuncia la libertad que será plenamente conquistada unos años más tarde. Pero Charles Mingus Presents Charles Mingus es una obra muy avanzada musicalmente, seminal (me gusta la palabra), que recorre caminos que por entonces no eran habituales.

Las canciones:
“Folk Forms nº 1” es algo así como un blues deconstruido que permite al cuarteto demostrar su habilidad para los cambios de ritmos que en sus manos parecen una plastilina que moldea a su antojo. Destaca la labor del grupo por encima de los solistas: los solos son breves y se trata más bien de que cada uno de los miembros del grupo lleve la voz cantante en un momento determinado, idea similar a la utilizada dos meses después en el seminal -es que me encanta- Free Jazz de Ornette Coleman, aunque sin alcanzar un lenguaje tan rompedor. El cuarteto se presenta como una maquinaria perfectamente engrasada que con maestría logra jugar con la tensión y los cambios de velocidad. Al final del tema, tras este alocado viaje musical, Mingus suelta un soplido de alivio. Y el oyente de admiración.

Un año antes, Mingus grabó para Columbia el tema “Faubus Fables”, pero no pudo incluir la parte cantada, que la compañía consideró demasiado irreverente. Pero esta versión añade la letra dedicada a Orval Faubus, gobernador de Arkansas que en 1957 envió a la Guardia Nacional para que impidiese a los niños negros acudir a las escuelas con los niños blancos. Mingus aprovecha para denunciar el hecho y realizar un alegato anti-racista (1). Posteriormente pasó a ser el tema caballo de batalla de Mingus en sus conciertos, donde lo alargaba hasta los 50 o 60 minutos con múltiples variaciones y referencias político-musicales, como citas de "Yankee Doodle Dandy" o "We Shall Overcome" -himno oficioso de los negros americanos (2). En esta versión de 1960 destaca el solo al saxo alto de Eric Dolphy que aparece como un Charlie Parker iconoclasta, más incluso que Ornette en esta misma época, jugando con frases cortas y largas y enormes saltos de registro.

“What Love” parte de las armonías de “What Is This Thing Called Love” para dar nacimiento a una obra rompedora dominada por un soberbio diálogo entre Dolphy y Mingus, uno de los puntos álgidos del disco. Al parecer, Eric Dolphy quería abandonar el grupo para dedicarse a su labor como líder mientras Mingus pretendía conservarlo. De ahí surge una discusión entre el contrabajo y el clarinete bajo en la que cada cual expone su punto de vista: las “palabras” llegan incluso a subir de tono, pero al final Mingus comprende los motivos de Dolphy. Y tan amigos. Pero más allá de este aspecto anecdótico, “What Love” tiene una importancia considerable ya que marca pautas futuras para la liberación del lenguaje jazzístico, sobre todo del clarinete bajo, un instrumento difícil de dominar que hasta entonces estaba prácticamente inédito en esta música.

La última pieza, “Todas las cosas que podrías ser ahora si la mujer de Sigmund Freud fuese tu madre”, toma como punto de partida el estándar “All the Things You Are” para convertirlo en una típica obra mingusiana, con múltiples cambios de ritmo y la combinación de momentos de gran intensidad con otros de calma. En este tema destaca el contraste entre el carácter expansivo de Dolphy y el lirismo y la fragilidad de Ted Curson, un buen trompetista injustamente olvidado.

Pocos discos de Charles Mingus retratan mejor que éste el carácter del músico, personaje excesivo, tierno y volcánico, genial y rastrero, contradictorio y admirable. Pero por encima de todo Charles Mingus Presents Charles Mingus es un disco que tiene todos los ingrediente que hacen del jazz una música maravillosa, con unos músicos en estado de gracia.

Diego Sánchez Cascado


1. ¡Oh, Señor, no dejes que nos disparen!
¡Oh, Señor, no dejes que nos apuñalen!
¡Oh, Señor, no dejes que nos llenen de alquitrán y plumas!
¡Oh, Señor, no más svásticas!
¡Oh, Señor, no más Ku Klux Klan!

Cítame a alguien ridículo, Dannie.
¡El gobernador Faubus!
¿Por qué es un tipo enfermo y ridículo?
Se opone a la integración en las escuelas.
¡Entonces es un estúpido! ¡Abajo los nazis fascistas que se creen superiores!
¡Abajo el Ku Klux Klan (con su plan Jim Crow)

Cítame a un puñado de tipos ridículos, Dannie Richmond.
Faubus, Rockefeller, Eisenhower...
¿Por qué están tan enfermos y son tan ridículos?
Dos, cuatro, seis, ocho:
¡Te lavan el cerebro y te enseñan el odio!

2. Al respecto, hay un ensayo en francés muy interesante, L'Amérique de Mingus de Didier Levallet y Denis-Constant Martin (editorial P.O.L.)


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Astor Piazzolla - Hommage à Liège (1980)

jueves, 13 de diciembre de 2007

En Hommage à Liège, grabado en el Festival Internacional de Guitarra de esa ciudad belga, se incluye el concierto que Piazzolla bautizó con ese nombre, para bandoneón, guitarra y orquesta (con el autor y Cacho Tirao como solistas, junto a la Orquesta Filarmónica de Liège, dirigida por el cubano Leo Brower) y el estreno de Historia del tango, cuatro piezas breves para flauta y guitarra tocadas en esa ocasión por Marc Grawels en flauta y, en guitarra, Guy Lukowski, director del Festival.


HOMMAGE A LIEGE

Actuación en vivo en Festival Internacional de la Guitarra de Liege, Bélgica, 1980.

Temas: Doble Concierto para Bandoneón, Guitarra y orquesta de cuerdas (3 movimientos): Introducción, Milonga, Tango. Historia del Tango (para flauta y guitarra): Bordel 1900, Café 1930, Night Club, Concert 1990. Todos los temas: A. Piazzolla.

Formaciones: Solistas Concierto: Astor Piazzolla (bandoneón), Cacho Tirao (guitarra). Orquesta Filarmónica de Liege y la Comunidad Francesa de Bégica; dirección: Leo Brouwer. Historia del Tango: Marc Grawels (flauta), Guy Lukowski (guitarra). Ambas obras fueron escritas (y estrenadas) para este Festival.

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Quilin (1983)



Considerado el primer conjunto chileno jazz-rock establecido, Quilín escribió una historia paralela a la oficial dentro de la música popular en nuestro país. Con más de 25 años de vigencia, jamás obtuvo el reconocimiento de un medio que en definitiva la transformó en una banda de culto por naturaleza. Un proyecto único, que nunca se encasilló ni en los circuitos del rock ni en los del jazz.

Quilín vio la luz en 1979 tras una fusión entre los veinteañeros integrantes de dos bandas que por entonces probaban en el hechizante jazz eléctrico de la época: Nexos y Prisma. El guitarrista y compositor Alejandro Escobar alineaba en ambas agrupaciones, y junto a otro guitarra, Roberto Hirsh, fundó el primer cuarteto Quilín (con Isidro Alfaro en el bajo y Luis Montoya en la batería). Esta formación se presentó en un reducido y vanguardista circuito de cafés –llegando incluso al Teatro Caupolicán- y trabajó en su repertorio inicial, con piezas que integraban rítmica latinoamericana, improvisación jazzística y poderío rock.

Quilín y la quebrada de Macul
En 1981 Quilín se amplió a septeto con la inclusión del percusionista Ulises Guendelman y dos saxofonistas: Lucas Blondel (tenor) y Raúl López (alto y soprano). Este último sería finalmente el hombre clave en la fisonomía de Quilín durante su época de gloria. Por primera vez se establecía en la música chilena una banda con guitarras eléctricas y saxofones, a pesar de que con el grupo Aquila hubo ciertos intentos en los '70 y sobre el final de los '80 Cometa haría lo mismo.

Esta formación realizó sesiones de grabación de polirrítmicas piezas ("La quebrada de Macul", "Traficante de espantos", "Cara o sello"), con invitados como el pianista bop Mariano Casanova y el percusionista Santiago Santa Salas, así como además la espontánea inclusión del baterista Pedro Greene para el Festival Seis Horas de Rock de 1984, celebrado en el antiguo Estadio Chile.

Con Escobar más centrado en las posibilidades de la fusión sonora y Hirsh en la distorsión del rock, Quilín alcanzó su mejor momento cuando López tomó la tercera voz solista mediante sus magníficas improvisaciones, y el baterista Jaime Labarca imprimió el fondo beat definitivo al ahora quinteto. Entre 1982 y 1986 surgieron nuevas grabaciones –ninguna editada- de históricas piezas, mucho más depuradas y logradas en el lenguaje de la fusión: "Viejito Pascoal" (en honor al brasileño Hermeto Pascoal), "El misil" o "Humo blanco". Todas, con el empaste contundente y la creatividad musical de la tríada Escobar-López-Labarca.

En 1988 se incorporó el flautista Juan Carlos Neuman (proveniente de La Hebra) en reemplazo de López. Neuman, volcado entonces al saxo alto, Neuman dio un toque de musicalidad extra y nuevas texturas al sonido, impulsado por saxofonistas de fusión (Michael Brecker, David Sanborn o Eric Marienthal). El grupo grabó en el Café del Cerro en 1989 y luego ingresó en un período de silencio intermitente. En 2001 el bajista eléctrico Patricio Valencia (del grupo Nave) ocupó la plaza de Alfaro y Quilín comenzó una siguiente etapa en su historia de vaivenes y música tras los bastidores. (Texto de Iñigo Díaz).


Integrantes:

Alejandro Escobar, guitarra (1979 - •).
Roberto Hirsh, guitarra (1979 - •).
Isidro Alfaro, bajo (1979 – 2000).
Luis Montoya, batería (1979 – 1982).
Ulises Guendelman, percusión y batería (1981 – 1982).
Raúl López, saxos alto y soprano (1981 – 1986).
Lucas Blondel, saxo tenor (1981).
Alfredo San Martín, percusión (1981).
Jaime Labarca, batería (1982 - •).
Alejandro Olejnick, piano eléctrico (1984 – 1985).
Juan Carlos Neuman, saxo alto (1988 - •).
Patricio Valencia, bajo (2001 - •).

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Fulano - En El Bunker (1989)



Fulano inventó uno de los sonidos más novedosos escuchados en la tradición de música chilena. Con teclados, percusiones e instrumentos de viento como eje de su lenguaje, el sexteto se puso por encima de categorías, convirtiéndose en una de las propuestas más cercanas a una vanguardia en la escena local de los años '80.

Formada en 1984 por estudiantes de Música del ex Pedagógico de la Universidad de Chile, la banda mantuvo su trabajo por casi veinte años, interrumpió su historia tres veces, y sólo anunció su disolución definitiva tras la muerte de su tecladista y fundador, Jaime Vivanco, en el 2003. Sus discos nunca fueron masivos ni tuvieron éxitos comerciales, pero abrieron caminos insospechados en los sonidos hechos en Chile.

Desde Media Banda
La prehistoria de Fulano fue Media Banda, una agrupación de funcionamiento más bien hippie que crearon en 1979 el saxofonista Cristián Crisosto y el tecladista Jaime Vivanco en la Escuela de Música del Pedagógico. En 1984, cuando Crisosto ya era parte de Santiago del Nuevo Extremo, llevó a Vivanco a la sala donde junto a sus compañeros Jorge Campos y Willy Valenzuela se quedaban ensayando y creando sonidos similares a los que ambos hacían en la Media Banda.

En esas sesiones de ensayo, maratónicas a veces, nació Fulano; no sin antes incorporar la voz de Arlette Jequier y el saxofonista Jaime Vásquez. El sexteto debutó a mediados de 1986 con un recital en el cine Espaciocal, y comenzó a aumentar sus presentaciones en locales como La Nona Jazz (del caracol Los Leones) y El Trolley, de calle San Martín, además de facultades universitarias.

Su singular sonido, la versátil voz de Arlette Jequier y el carácer multiinstrumentista de sus compañeros hicieron crecer la propuesta, que en sus comienzos fue catalogada como un derivado del jazz. “Pero ninguno de nosotros estudió ese estilo o se atreve a considerarse un jazzman”, aclaró alguna vez Jaime Vivanco. “Nos veían con esos instrumentos y creían que era jazz, pero nada que ver. Nunca lo fuimos”, complementa Campos.

Santiago del Nuevo Extremo se disolvió en 1986, y Vivanco y Campos se incorporaron a Congreso. Fulano, entonces, ingresó a estudio para grabar su primer disco, invitados por el sello Alerce. Aunque no era un disco pop, Fulano (1986) tuvo rápidas ventas, ratificando que la banda, pese a lo extraño de su estilo, había acumulado una importante cantidad de seguidores.

En el bunker fue su álbum de 1989, y el primer disco doble registrado en la historia musical chilena. Se incluían ahí temas más oscuros y agresivos, que conservaban la ya conocida identidad del conjunto. Pese a la popularidad de temas como “Adolfo, Benito, Augusto, Toribio”, las canciones estaban muy lejos de la lógica de singles o videoclips que por entonces ocupaban a sus colegas pop.


Integrantes:

Arlette Jequier, voz y clarinete (1984 - 2004).
Cristián Crisosto, saxo (1984 - 2004).
Jaime Vásquez, saxo (1984 - 1999).
Jaime Vivanco, teclados (1984 - 2003).
Jorge Campos, bajo (1984 - 2004).
Willy Valenzuela, batería (1984 - 1996).
Raúl Aliaga, batería (1996 - 2004).
Rafael Chaparro, saxo (1999 - 2004).


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Mulatu Astatke - Ethiopiques, Vol. 4

miércoles, 12 de diciembre de 2007

Mulatu Astatke es uno de los músicos más importantes de Etiopía. A fines de los 50, viajó a Londres y posteriormente a Boston y Nueva York, absorbiendo influencias del Jazz y ritmos latinos. Ha grabado varios LPs (uno de los cuales, Mulatu of Etiopía, se ha convertido en una leyenda para DJs en el último tiempo), y eventualmente llevando tanto el jazz moderno e influencias latinas, así como instrumentos específicos de la música occidental de vuelta a su natal Addis Ababa. En piano, órgano, vibráfono y percusión, con sus arreglos y composiciones, y como un agente provocador, se convirtió en una figura esencial en la gran era del Jazz y Pop Etíope, entre 1968 y 1974. Desde 1969, creó las primeras bandas independientes de la milicia etíope, que anteriormente había dominado al escena musical de su país. Hoy en día, se mantiene en una posición central en la escena musical etíope, como dueño de club, fundador de escuela musical, DJ de radio, compositor, arreglista e instrumentalista.

El disco Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (volumen dedicado exclusivamente a la música de Astatke) es un gran ejemplo para entender la mezcla de influencias que reúne este eximio músico africano. Lo que encontrarás en este disco: la excelente fusión de Jazz, Funk, Groove y Swing. Gran parte del sonido de este disco se posa sobre las largas y pegajosas líneas de bajo eléctrico. Un gran trabajo de octavas de los saxos recuerdan lineas del Swing norteamericano de principio de los '50, siempre con una gran influencia latina. La guitarra tiene un papel protagónico en este disco, una guitarra eléctrica distorsionada o Wah que recuerda los mejores riffs de la época jazzera de Frank Zappa, y que en muchas ocasiones se adueña de los solos. Las percusiones tienen un sólido sonido funk y latino (imaginense a James Brown y Mongo Santamaría metidos en una juguera), creando la base ideal para el desempeño de los otros instrumentos. Acá no encontraras temas con solos marcados de cada instrumento y una walkin' del bajo, es casi un viaje astral por cada tema, que se mueve como seda por cada segundo de su composición y arreglo. El resultado? ETHIO-JAZZ, término forjado casi exclusivamente en el trabajo pionero de Astatke, que llevó el sonido de su África natal y del jazz un paso mas allá, con la calidad de pocos.

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Aquila (1974)



De la mano del joven compositor y vibrafonista Guillermo Rifo, el grupo Aquila llegó a ser reconocido en la historia como el primer proyecto sustantivo en el encuentro del jazz con la música popular y la música docta. Como un legítimo e híbrido ensamble de cámara, Aquila encontró su protagonismo en una variante de estilo y punto de vista creativo que no sólo sobrevivió largamente en la música chilena sino que se convirtió en una de las ramas más fuertes desde los últimos 30 años: la fusión. Desde 1965, un Guillermo Rifo de 19 años actuaba en la sección de percusiones de la Orquesta Sinfónica de Chile. En 1969 había fundado el Grupo de Percusión de la Universidad Católica y en 1971 ya se encontraba experimentando con el vibráfono (instrumento de percusión melódica) en el lenguaje jazzístico, en conciertos junto a los hermanos Roberto Lecaros y Mario Lecaros, siguiendo a vibrafonistas clásicos como Lionel Hampton, Red Norvo o Milt Jackson. Su permanente impulso hacia el redescubrimiento de la música popular lo llevó a reunirse con el baterista Sergio Meli, quien había tocado hasta 1969 con los Lecaros en el grupo de jazz Village Trío. Al igual que el epicentro de músicos que frecuentaban la casa del pianista Matías Pizarro para tocar jazz y dar vida al grupo Fusión, el reducto de Rifo y Meli para organizar a Aquila, se configuró en la discoteque Rosso Nero en el centro comercial Apumaque, que había abierto espacios para el jazz los lunes de cada semana y cuyos propietarios eran el propio Meli y el cantante pop Paolo Salvatore. En 1973, Aquila terminó como ordenarse como quinteto con una importante diversidad de influencias. Era liderado por el vibráfono de Rifo, cuyo origen estaba en la música clásica, y el fondo de Sergio Meli, baterista de la generación del jazz moderno, y además contaba con la incorporación del saxofonista alto Sandro Salvati (que recién había pasado por el prototipo de Fusión), el pianista eléctrico Guillermo Olivares, hasta 1972, integrante del grupo rock Embrujo) y el bajista eléctrico Williams Miño (con experiencia en la música popular). Aquila editó su único disco, Aquila (1974), a través del sello Alba, incorporando composiciones afines a la fusión pertenecientes en su mayoría a Rifo, además de creaciones del resto de los miembros del quinteto y piezas del jazz moderno de Pharoah Sanders y Herbie Hancock. Cerró su vida activa rápidamente, tras pocas apariciones en cierto underground y con los inconvenientes de una ciudad con toque de queda. Aunque como según señala el musicólogo chileno Álvaro Menanteau en su libro Historia del jazz en Chile (2003), en ese breve lapso Aquila alcanzó una categoría fundacional en la línea de la música instrumental de mezclas. Tras la bajada de telón, Guillermo Rifo siguió desarrollando su veta popular al dirigir musicalmente al Sexteto Hindetmith 76 (1973), ensamble de cámara docto que profundizó en la música de raíz folclórica, y luego liderando el grupo electroacústico Latinomúsicaviva (1978), uno de los proyectos más significativos de la fusión latinomericana. (Texto de Iñigo Díaz).


Integrantes:

Guillermo Rifo, vibráfono y dirección (1973 - 1974).
Sandro Salvati, saxo alto (1973 - 1974).
Guillermo Olivares, piano eléctrico (1973 - 1974).
Williams Miño, bajo (1973 - 1974).
Sergio Meli, batería (1973 - 1974).

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